如何赏析古典音乐
古典音乐有广义、狭义之分。广义是指那些从西方中世纪开始至今的、在欧洲主流文化背景下创作的西方古典音乐，主要因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而有别于通俗音乐和民间音乐。下面是小编介绍古如何赏析古典音乐，欢迎阅读，仅供参考!
一、什么叫古典音乐
CLASSICAL MUSIC，中文翻译成“古典音乐”，有人认为“古典”给人的感觉有古董、古板的味道，故改称“经典音乐”。也有人根据牛津英文辞典里对古典的定义，in traditional and serious style，而称其为“严肃音乐”。于是，“古典音乐”又被戴上了“严肃”的帽子，让人更不敢靠近。但下此定义的人一定没有好好查字典，因为serious的第二条义项是这样给出定义的：(指书、音乐等)启发思考的，不仅为消遣的。因此我们知道原来古典音乐不同于流行音乐的地方是它内涵深刻，能发人深思，更能使人高尚，免于低俗。再来看一下朗文辞典对古典音乐的解释music that people consider serious and that has been popular for a long time。可见，古典音乐是历经岁月考验，久盛不衰，为众人喜爱的音乐。古典音乐是一个独立的流派，艺术手法讲求洗练，追求理性地表达情感。
古典音乐是一个含义广泛的术语，广义的西洋古典音乐是指那些从西方中世纪开始至今、并在欧洲主流文化背景下创作的音乐，或者指植根于西方传统礼拜式音乐和世俗音乐，其范围涵盖了约公元9世纪至今的全部时期。主要因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而有别于通俗音乐和民间音乐。在地理上，这些音乐主要创作于欧洲和美洲，这是相对于非西方音乐而言的。另外，西洋古典音乐主要以乐谱记录和传播，和大多数民间音乐口传心授的模式不同。
亦有人认为“古典”是对应于“流行”而言的，因为这些音乐经得起时间的考验，能够引起不同时代听众的共鸣。
但如果细究古典一词，本意可以理解为古代留传下来堪称经典的音乐作品(古代+经典)，但是一般来说，古典音乐是具有规则性本质的音乐，具有平衡、明晰的特点，注重形式的美感，被认为具有持久的价值，而不仅仅是在一个特定的时代流行。这也体现于“古典”(classical)与“经典”(classic)的不同。
古典音乐(classical music)本来是专指德奥在1750—1830年间以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的音乐，即所谓“维也纳古典乐派”的音乐(或翻译为“维也纳古典主义音乐”)。这就是狭义的古典音乐。
从这个狭义的古典音乐概念出发，我们可以向前追溯到巴赫、亨德尔，乃至更早的宗教音乐(含天主教即罗马公教，东正教，基督新教)，向后延伸到浪漫主义、民族乐派，以及20世纪西方的现代音乐。这些都是广义的古典音乐，也就是基于这个传统的，无论是继承和发扬这个传统，还是试图以创新来突破这个传统的音乐创作尝试，都可以归入古典音乐之内。而在这个传统外独立发展的音乐，虽然有借鉴和影响古典音乐创作的，但是一般也不归入古典音乐之内，比如爵士乐、摇滚乐，以及东方一些民族的音乐。
因此对于广义的“古典音乐”这个词来说，欧洲艺术音乐的定义更加准确。
欧洲艺术音乐与其他的非欧洲音乐和流行音乐体系的主要区别是记谱法有所不同，其规则大约源自于16世纪便开始使用的记谱法。在西方记谱法中，作曲者给演奏者规定了音调、格律、速度，独特的节奏和对于同一段音乐准确的演奏方式。这种即兴演奏发挥空间很小的记谱法模式，极大的不同于非欧洲艺术音乐(相对于传统的日本音乐和印度音乐)和流行音乐。
古典音乐作为音乐中类别的称呼，是相对于轻音乐、通俗音乐等类别而存在，它本身并没有严格明确的解释或者定义。在轻音乐范围里，有时也采用“古典”的概念来指某些经过时间检验，被人们奉为楷模的轻音乐作品，如古典轻歌剧、古典爵士乐等，这里的classical理解为“古代+经典”，似乎更为合适一些。
二、文艺复兴的影响
到了1450年，欧洲音乐开始进入了文艺复兴时期，因为当时的欧洲政治的不稳定，教廷的威信与势力开始衰弱，资产阶级萌芽，为了适应当时社会的发展与人们的新思想，音乐开始宣扬以人为本的思想，所以在各个领域里都开始了文艺复兴运动，也就是在那时，欧洲传统的大小调式逐渐形成。
欧洲到了1600年开始，进入了一个大发展的时期——巴洛克时期，那时候不仅产生了象大家所熟知的巴赫，亨德尔等伟大的作曲家，歌剧，协奏曲，奏鸣曲等题材相继被创造发展出来。
当欧洲音乐进入古典时期后，也就是在1750年巴赫逝世后，欧洲复调后继无人，乐风转向简洁实用的主调，那时候，出现了三位音乐大师：“交响乐之父”海顿，“神童”莫扎特，以及“乐圣”贝多芬。音乐的主题也从延续几个世纪的宗教音乐，逐渐变成富有丰富哲理内涵的古典音乐。
在1827年贝多芬逝世后，结束了严谨的古典主义时期。当时的欧洲正在接受浪漫主义的洗礼，当时的作曲家把作曲当作抒发内心情感的手段，对音乐的审美也有了进一步的发展，产生了炫技等音乐表现手法。如当时的帕格尼尼，李斯特等就是那时红极一时的演奏家。音乐表现，风格也日趋丰富，出现了一些以民族音乐语言进行创作的民族作曲家，如芬兰的西贝柳斯，挪威的格里格，俄罗斯的五人强力集团等，都是民族乐派的伟大作曲家。时间进入19世纪，出现了以德彪西为首的印象派音乐。音乐表现极具色彩化，和当时的绘画风格有相同之处。
在浪漫主义后期，也就是欧洲调性体系发展到了最辉煌也是最后的时期，我不得不提到拉赫马尼诺夫，马勒等作曲家，他们把欧洲传统作曲法发展到了极致，当然也包括新的尝试，出现了像马勒第八交响曲《千人合唱》这样的宏大的作品。再者，就是斯特拉文斯基，他的新古典主义崇尚复调和对位法，采用多调性，为以后的传统作曲法到先锋音乐的过渡起到了至关重要的作用。
时间到了十九世纪末，二十世纪初，音乐又有了突破性的发展，以韦伯恩为开始的作曲家打破十二音作曲法，抛弃了近400年的欧洲调性体系，发明了十二音序列，之后无调性等音乐形式出现，如当时的勋伯格就是代表!在世界大战之后，科技更加发达，人们的思想也更加丰富，出现了电子音乐，以及国家间的文化交流不断融合，产生了更加丰富的音乐形式，更加多元化!在1945年后的音乐被称为先锋音乐，这时候的音乐已经动摇了人们对音乐的美的看法，也更加理论化，产生了象无声音乐，噪音，微分音等人们无法理解的音乐形式!
三、主要乐器
1.木管乐器
短笛piccolo、长笛flute、双簧管oboe、英国管english horn、黑管clarinet、低音黑管bass clarinet、大管bassoon、低音大管contrabassoon、高音萨克斯soprano saxophone、中音萨克斯alto saxophone、次中音萨克斯tenor saxophone、上低音萨克斯baritone saxophone
2.铜管乐器
圆号french horn、小号trumpet、短号cornet、柔音号flugelhorn、长号trombone、低音长号bass trombone、次中音号baritone horn、上低音号euphonium、大号tuba
3.打击乐器
定音鼓timpani、小军鼓snare drum、大军鼓bass drum、小镲small cymbals、大镲big cymbals、吊镲splash cymbal、铃鼓tambourine、三角铁triangle、响板castnet、锣gong(tam-tam)(grongkas)、音棒claves、雪橇铃sleighbell、木琴xylophone、马林巴琴marimba、管钟tubular bell、钟琴glockenspiel、铁琴vibraphone、钢片琴celesta
4.键盘乐器
钢琴piano、管风琴organ，大键琴harpsichord
5.弦乐器
小提琴violin、中提琴viola、大提琴cello、低音提琴double bass，竖琴harp
四、如何赏析古典音乐
所谓古典，其实就是指西方自文艺复兴以后至我们所在年代前五十年作品的总和。古典音乐里的这个古典和“古典时期”的古典二字完全不一样。古典音乐，已经是一个文化范畴的概念。是西方并逐步意味着全球的主流音乐的一部分。确实如此，时至今日，西方古典音乐如同摩天大厦，而它周边的是大片没有影响力的小房子。前后的差距使西方古典音乐已经可以用全球主流音乐，乃至为主流文化的.代名词了。古典两字已经不代表时间或者历史性，而是一个文化概念。
但无论它如何强大，作为并非古典音乐原发地文化的我们，对古典音乐也不能盲目接纳。我个人认为，称之为音乐的东西，应该有这些特征：
具有优美或者奇特的旋律，具有崇高的情感力量或者神秘情感的隐藏能力，带来愉悦或者引发思考。能符合这些特征的，我才称它为音乐或者古典音乐(有别于流行或者现代音乐)。
所以，我喜欢上古典音乐，就是因为那些旋律和情感，最早给它打动的，是十几年前开始留意听古典时，被柴可夫斯基的《斯拉夫进行曲》吸引，开始喜欢上古典。之后，阶段性断断续续地有去听，但都不系统，一直到现在。
不过，作为古典音乐，如果要了解其大致全貌，是比较困难的，因为我们都是业余人士，非专业者那样用时间去欣赏。古典音乐是需要一定“训练”才能欣赏的音乐。这种训练包括对音乐原理，乐器，音乐发展的历史，对作家本人，甚至对演绎的艺术家指挥家都要了解一些。
古典音乐来源于早期宗教的需要，文艺复兴之前，音乐主要是教堂祢撒，比如圣格列高利咏叹。换言之，音乐最早的形式是“声乐”，为何是声乐?因为来自人的声音，才是这世界上最原始，也最能打动人的声音，所以也是最好的“音乐”。当然，那年代器乐确实还没有发展起来。
事实上，现在重新听文艺复兴时期的帕克斯特里纳的圣颂合唱，依然具有恒久的魅力，如果你听古典或者浪漫久了，不妨试试去听他的作品。宗教音乐来自这些当年虔诚的信徒之手，来的更简单纯朴又具有情感。他们对后人影响巨大，后世的伟大作品里都有他们的影子(比如亨德尔的祢赛亚，巴赫的B小调祢撒，贝多芬的庄重祢撒，百辽兹的以利亚到现代布列顿的战争安魂曲)
了解古典音乐的源头，就等于明白音乐最基本的特征(或者基本“硬件”)就是要有优美旋律和崇高情感。没有这些要素，再伟大的作品，也不是我需要的，当然没有一部伟大作品里没有旋律和情感。又或者说，旋律是一个广义，文艺复兴的音乐几乎“见不到旋律”，只有节奏。
从斯拉夫进行曲开始，到格里格的皮尔金特组曲，到斯美塔纳的伏瓦塔河，我充分感受到音乐的美。我尚且不知道他们来自何方，何许人也，甚至不了解他们的作品的名字。我没有被那些比他们更“流行’的贝3，5，9打动多少前，就喜欢上这些优美旋律的作品。
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古典音乐指挥的手势
一、指挥的姿态要求：
躯干稳直、泰然。不能弯腰曲背，前弓后仰，不要耸肩，防止不必要的移动和转向，可以适度地含胸拔背。
头部做到自然仰面，便于看见全体演唱演奏者，也便于演唱演奏者看清指挥。随时用目光提挈大家注意，辅助手的动作预示某个重要转折或某个关键瞬间的到来，并能启示声部的进入。
脚是站立的根基，身体重心交替置于双脚或转移于左右脚之间，双脚基本平或稍有前后，如"稍息"的位置。重心的转移随着音乐的需要自然地进行，但不宜太多，更不能随意走动、下蹲。当然不是绝对的，一切都要符合指挥任务的需要。
双肩坦然而松弛，大臂微张，千万不要夹紧，肩关节随时都是放松的，双手完全得到解放，可以随意往任何方向自如挥动。
腕，掌，指是最灵巧而富于表现力的部位，也是音乐指挥最得力的工具和武器，小臂、大臂，甚至肩和身体的活动往往也是为了这个"终端"而配合活动的。
一般的基本姿势是手掌向下，不握拳，腕关节不下垂，不松劲，稍稍向前而不高仰，手指不强制地呈弧形微弯，如握小皮球状，能够随意地做任何动作。
双手抬举的高度，伸出的远近，根据所指挥的作品风格及演出的规模、场合等各方面因素而调整。初学时取略低于胸肋的位置，便于松弛地学习基本动作。
二、指挥法：
(一)、2拍(2/2、2/4、2/8)，强拍，弱拍
基本走向是第一拍从上向下，略由里向外进行，第二拍返回。在指挥实践的时候，除了动作要明确，精神要集中和饱满以外，通常因为要照顾到演唱时的流畅，划拍过程往往也是比较圆顺和线条化的。
(二)、3拍(3/2、3/4、3/8)，强拍，弱拍，弱拍：
第一拍强拍的击拍动作向下进行后，反弹动作由里侧向上弹起，以便于连接第二拍指挥动作，但注意不要让手掌或前臂产生交叉。
第二拍弱拍的击拍动作向外侧进行(略斜向下)，幅度不宜过大，反射动作顺势向上弹起。
第三拍弱拍顺着第二拍反射动作自然回落之势，向下方作第三拍击拍动作，第三拍反射动作由里向上弹起。
(三)、 4拍(4/2、4/4、4/8)，是一种复拍子，它的强弱周期性规律是：强拍，弱拍，次强拍，弱拍。
第一拍强拍，两手应保持适当距离，向下作击拍动作，反射动作沿击拍动作自然向上弹起，注意不要过分斜向外侧。第一拍的反射动作实际上也成为指挥第二拍的准备动作了。
第二拍弱拍，指挥动作在第一拍指挥动作的里侧，击拍动作幅度相应收小，反射时两手不能产生交叉，至多两手掌部稍有重叠。
第三拍是次强拍，击拍动作向外侧进行(略斜向下)，反射动作顺势向上弹起。
第四拍是弱拍，顺着第三拍反射动作自然回落之势，向下方作第四四拍击拍动作，反射动作由里侧向上弹起。
(四)、6拍(6/2、6/4、6/8)，强拍，弱拍，弱拍，次强拍，弱拍，弱拍：
第一拍强拍，反射动作向上弹起，不要过分斜向外侧。
第二、第三弱拍，指挥动作都在第一拍指挥动作里侧，动作幅度显著收小，注意不要让双手产生交叉。
第四拍是次强拍，击拍动作向外侧进行(略斜向下，并注意控制动作幅度)，反射动作弹起时回向里侧。
第五拍弱拍，动作幅度显著收小，击拍动作略斜向外侧，反射动作顺势向上弹起。
第六拍弱拍，顺着第五拍反射动作自然回落之势，向下方作第六拍击拍动作，反射动作由里侧向上弹起。
特殊拍子：
五拍子是一种混合拍子，它有两种组合方式。
二拍+三拍，为强拍、弱拍、次强拍、弱拍、弱拍：
三拍+二拍，为强拍、弱拍、弱拍、次强拍、弱拍：
七拍子也是一种混合拍子，它有三种组合方式。
二拍+二拍+三拍，为强拍、弱拍、次强拍、弱拍、次强拍、弱拍、弱拍：
三拍+二拍+二拍，为强拍、弱拍、弱拍、次强拍、弱拍、次强拍、弱拍：
二拍+三拍+二拍，为强拍、弱拍、次强拍、弱拍、弱拍、次强拍、弱拍：
一个拍子是一段行程，完成一拍手要返回来准备走下一个拍子或者说为了划到下一拍子开始，这个动作即“反射”或者叫“弹回”。反射动作首先是为了顺畅的到达节拍点而服务的。如果您的手腕足够放松，当然，熟记节拍点——动作将是圆滑和自然的;例如在欢快的歌曲里，这个行程真的是用“弹跳”过去的。
最后别忘了鞠躬，指挥应该面向观众鞠躬，然后下台。
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